当ページでは商品解説の際に経歴説明が重複していたり、
あるいは煩雑になってしまう人物について、
指揮者を中心として解説いたします。

下記の項目の中から、
調べたい人物名をクリックしてください。



Franz Konwitschny (1901-1962)

【主な活動レーベル】
ETERNA

【経歴について】
現チェコ共和国の東部、モラヴィア生まれ。
元々はヴァイオリン専攻でライプツィヒ音楽院に在学していて、
フルトヴェングラー時代のライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団で
ヴィオラ奏者として音楽活動を開始した。

同楽団での偉大な指揮者との出会いが演奏者からの転向を選ばせたのか、
1927年のシュトゥットガルト国立歌劇場練習指揮者を経て、
1930年には同歌劇場の首席指揮者に就任する。
そして1949年よりゲヴァントハウス管弦楽団に、
常任指揮者として舞い戻ったのである。

ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団は、
250年を超える歴史を持つ世界初の平民階級オーケストラである。
楽長/常任指揮者は『ゲヴァントハウス・カペルマイスター』と尊称され、
歴代のカペルマイスターにはフェリークス・メンデルスゾーン、
アルトゥール・ニキシュ、ヴィルヘルム・フルトヴェングラーらが名を連ねる。

コンヴィチュニーは第二次大戦でボロボロになった同楽団の復興に尽力するなど
没年の1962年までカペルマイスターの職を全うし、
ゲヴァントハウス管弦楽団を世界有数の優れた管弦楽団に育てあげた。

同楽団と東独ETERNA レーベルを語る上で
コンヴィチュニーが絶対に名前を外せない人物なのは間違いないが、
やはり特筆すべき業績は1958年から1961年にかけてライプツィヒで録音された、
世界に誇るベートーヴェンの交響曲全集だろう。

「聴けば判る」と言えるほどの名録音で幾度もプレスされたが、
東側ではステレオ・レコードの発売開始が西側より10年近く遅れたため、
プレスの変遷と相まって判別が困難になってしまった。
超高音質を誇りETERNAの顔とも言えるV字ステレオ盤、
日本では人気が低いため安価だが圧倒的な音質を持つモノラル盤、
再プレス時のレーベル違いにジャケット違いetc...

屋号を見ていただければお分かりいただけると思うが、
弊社エテルナトレーディングは全容を解明している。
音質と予算とのバランスを考慮した提案が可能なので、
いつでも御相談いただきたい。

【演奏スタイル/特徴】
コンヴィチュニーほど聴き手に媚びない指揮者も珍しい。
聴衆がいてもいなくても関係なしといった風情の、
虚飾が一切ないスタイルである。

フルトヴェングラー好きが聴けば、最初は地味な印象を受けるだろう。
無駄な音を出さず、少ない音の中で最大限の表現をするからだ。
むしろ表現を『しない』指揮者というべきか。
贅肉がそぎ落とされた引き締まった演奏、とでも書けば簡単だが、
しかし実に味わいが深い。

そして、機を見れば脇目も振らず直線的に猪突猛進と言える程に突進していく。
ブルトーザーの如く全てをなぎ倒して激震する怒涛の演奏に繋がっていくのである。
周りや後ろを振り返らず、前だけを見据えてマイペースで突き進む。

この無作為こそがコンヴィチュニーの特徴で、
このぶっきらぼうな渋い音でソッポを向かれると、とことん追いかけたくなる。
ところがいくら追いかけても後姿しか見せないのがコンヴィチュニー。
いつ聴いても全てを見ることができない、だから何度でも聴くことができる。
この奥深さこそが彼の最大の美点なのである。

余談だが「コンヴィチュニー」は無類の酒好きで、
仲間には「コンウィスキー」と揶揄(あだ名)されていた。
逆に言えば、それほど親しく深い絆で結ばれていたからこそ、
機関車が煙を上げて突き進む様な、一丸となった演奏が可能だったのだろう。

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Karl Ristenpart(1900-1967)

【主な活動レーベル】
Les Discophiles Français
Le Club Français Du Disque

【経歴について】
ドイツ北部の街、キールの生まれ。
1930年代からベルリンで指揮者として活動していたが1953年に同地を離れ
ドイツ南西部、フランスとの国境を有するザールブリュッケンに転居する。

転居した1953年の10月からザール室内管弦楽団を自ら創設し活動を開始。
メンバー18人、その内10人は共にベルリンから移住した演奏家たちだった。
同年から仏Les Discophiles Français レーベルで録音を開始すると、
フランスの一流演奏家と多くの交流が生まれることになる。
特に、フルート奏者のジャン=ピエール・ランパルを中心とする
パリ木管五重奏団のメンバーとの共演では素晴らしい録音成果を残した。

1960年前後には仏Le Club Français Du Disque レーベルに移籍。
大手レーベルから離れることで自由な選曲が可能となり、録音数は10倍近く増えた。
さらに本拠地ザールブリュッケン近く、ザールルイの地に録音設備が整い、
パリまで録音に出掛ける必要が無くなった事も録音数の増加に大きく寄与した。

しかしリステンパルトは1967年の演奏旅行中、
ポルトガルで心臓発作に襲われ、クリスマス・イブに死去してしまう。

彼の死はLe Club Français Du Disqueというレーベル、
それ自体の存続に関わるほどの重大な事件であったらしい。
運命を共にする様に翌1968年に15年間のレーベル活動を終了した。

楽団そのものは高名なチェリストであるヤニグロを指揮者に迎え継続したが、
1970年には首席ヴァイオリン奏者だったゲオルク·フリードリヒ·ヘンデルと
その妻で首席チェロ奏者でもあったベティ・ヘンデルを同時に自動車事故で失なう。
そして1973年にザールブリュッケン放送交響楽団に吸収される形で、
遂にザール室内管弦楽団は20年の歴史に幕を閉じるのである。

【演奏スタイル】
手兵であるザール室内管弦楽団を巧みに操り
ドイツの団体ながらフランス的な颯爽とした美麗な響きも兼ね備える、
稀有なサウンドを生み出した。

躍動感に溢れ、聴くものを愉快にさせる『魔法』をかけられる。
人真似ではなく、作品の真髄を引き出し『本物』を提示する。
協奏曲においてはソリストの実力以上の『手腕』を引き出す。
およそ残された録音を聴く限り、不得手とした曲が存在しない。

…そんな賞賛の言葉が尽きない天才的な指揮者なのだが、
同じくドイツとフランスという2つのエッセンスを兼ね備えた偉大なる音楽家、
モーツァルトの作品に関しては「絶品」という言葉以外が浮かばない。
リステンパルトが貫いた優雅で清冽な響きこそ、
モーツァルティアンが最終的に求める音なのではないだろうか。

ドイツ/ウィーン系の作曲家の大傑作録音が異国フランスで幾つも生まれ、
フランスのオーディオ文化を世界的なものにした要因の一つとして、
リステンパルトとザール室内管弦楽団の存在は欠かせない。
オーディオ史という意味では、確かに彼らは歴史を変えたのだ。

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Ernest Alexandre Ansermet(1883-1969)

【主な活動レーベル】
DECCA

【経歴について】
スイス西部の街、ヴヴェイの生まれ。
父の影響を受けて当初は数学者としてローザンヌ大学の教授を務めていたが、
この就職先であるローザンヌの地での出会いが最初の転機となった。
作曲家エルネスト・ブロッホの薫陶を受け、1909年に指揮者に転身したのだ。

1910年にはモントルーで指揮者としてデビューすると、
そのまま当地のオーケストラの監督に就任。
この、活動の場をモントルーに移したことが第二の大いなる転機となった。
当地のカフェで作曲家ストラヴィンスキーと運命的な出会いを果たすと、
彼の紹介からバレエ・リュスの指揮者として抜擢、
一時期は専属指揮者として数々の初演を任される事になる。

第三の転機は1918年にジュネーヴにてスイス・ロマンド管弦楽団を創設したこと。
スイス・ロマンドとは「フランス語圏(ロマンス語圏)のスイス」という意味。
当然、国際的には無名な団体であったため経済的に苦しかった時期も長かったが、
地元の放送局オーケストラと合併したことで経済的な安定を得、
100年後の現在まで続く息の長いオーケストラとなった。

また、第二次大戦中にはワルターやフルトヴェングラー、
カール・シューリヒトなどドイツ本国で居場所を失った指揮者が
幾度となく客演指揮を務め、楽団の底力の向上の手助けをした。

そして戦争が終わると、第四の転機が訪れる。
同楽団と共に英DECCA レーベルとの契約を締結し、
アンセルメは大量の録音を残す事となる。

英国のレーベルだったDECCAはフランス作品においては
仏Ducretet Thomson や仏VEGA の音源を使用する事も多かったが、
フランス語圏の人間でありバレエ・リュスとの繋がりまで持つアンセルメは、
DECCAが自社録音でフランス作品を揃えるのに大いに貢献した。

しかし、アンセルメ最大の貢献といえるのは、
今もってなお世界最高峰といわれるDECCAのステレオ・サウンド、
その頂点に立つ SXL番台において名録音を数多く残した事に尽きる。

当時を知る録音技師Roy Wallaceによると、
1954年にDECCA社で初めてのステレオ試験録音を行った際、
数学理論にも明るいアンセルメが抜擢され、
彼の「文句なし!」の一言でサウンドが決定されたという。

【演奏スタイル】
アンセルメ本人の特徴としてはフランス語圏に留まらない国際感覚と、
その中で光るフランス的エスプリの機微が挙げられる。

フランス作品は元より、スペイン作品でもロシア作品でも
時に熱く、時に涼やかに、曲の魅力を聴き手に堪能させてくれる。
この国際的なバランス感覚こそバレエ・リュスや DECCAレーベルを惹きつけた、
アンセルメ最大の武器であったと思われる。

しかし、やはりスイス・ロマンド管弦楽団と併せて語らなければ片手落ちだろう。

創立者として、首席指揮者として長期間に渡って君臨し、
スポーツカーの様な凄まじいスピード感を持つ演奏集団に育て上げた。
当時、これだけ動きの俊敏なオケは他に類を見なかった。
内包されたエネルギーと大胆な表現が、曲の完成度といった次元を超えて感じ取れるのだ。

そしてアンセルメ × スイス・ロマンド管弦楽団 × DECCAのSXLサウンド、
この組み合わせは一つのブランドの様になっている。
一度はまってしまうと、何を聴いてもこれを基準に考えるようになってしまう。
しかし、これだけ筋肉質で骨太な音楽はそう滅多にある筈がない。

そして今日も、新たなアンセルメ・ファンが増えていくのである。

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André Cluytens(1905-1967)

【主な活動レーベル】
仏Columbia
La Voix De Son Maître(VSM)

【経歴について】
ベルギー北部の街、アントウェルペン(アントワープ)の生まれ。
出生時の名前はオーギュスタン・クリュイタンス。

地元アントウェルペンの王立ボウラ歌劇場(通称トネールハウス)で
指揮者を務めていた父アルフォンスから幼少時より音楽教育を受けて育ち、
22歳の時には早くも父の後を継いで第一指揮者となった。
そして1932年にフランスに移住、ここから名指揮者への道を歩み始める事になる。

トゥールーズのキャピトル劇場、リヨンのリヨン歌劇場、
ボルドーのグラン・テアトル歌劇場と首席指揮者を歴任、
遂には1939年にフランスへの帰化を決め、アンドレに改名した。
その後、1943年に首都パリに移住したのを契機として、
パリ音楽院管弦楽団(後のパリ管)との蜜月関係を築くこととなる。

同オーケストラ以外にもフランス放送交響楽団(ORTF)、
オペラ=コミック座などの音楽監督も兼任。
当然のことながら客演指揮にも引っ張りだことなり、
オペラ座やシャンゼリゼ劇場などでも八面六臂の活躍を見せる。

そして、世界的な音楽の中心地となっていたパリを沸かせる男を
各国のオーケストラが見逃すはずもなく、
ウィーン・フィル、ベルリン・フィル、チェコ・フィルなど、
世界中の様々なオーケストラが彼を客演指揮者として呼び寄せた。

1955年にはバイロイト音楽祭で演奏した最初のフランス人指揮者となり、
ドイツ人の為に築き上げてきた同音楽祭の歴史を塗り替える事となった。
主催者であるヴィーラント・ワーグナーも、最大の賛辞を贈っている。

「クリュイタンスの響きは、エレガントで、クリアで、
 ニュアンスがあり、カラフルで、威厳に満ちていた。
 それは洗練された一流のオーケストラが持つ響きの中でも、
 最も崇高なものだった。」

【演奏スタイル】
一言で表すならば「フランスそのもの、パリそのもの」である。
パリ音楽院管弦楽団を1946年から没年まで率い、
オーケストラに於けるフレンチ・スタイルを確立させた。

後継団体であるパリ管弦楽団(パリ管)は、
指揮者の国籍を問わず一貫してフランス的な音を出すことで知られている。
この『フランス的』である清冽で明朗、色彩豊かなサウンドは、
先代のミュンシュとクリュイタンスが作り上げたものであり、
現代に至るまで続く大いなる系譜なのである。

自由奔放、なのに曲としての完成度は高く、
匂い立つ様な妖しい濃厚さと、清流の如き清らかさを同時に表現する。
押し付けがなく、力みもないが、エネルギーはあり、
個々のフレージングが軽妙にして爽やか。
こういった幾つもの相反する要素を一つに料理してしまう、
このさじ加減こそクリュイタンスならではの手腕。

そして、この手腕は協奏曲でも十二分に発揮される。
マルグリット・ロンとのフォーレおよびショパン、
その弟子サンソン・フランソワとのラヴェルなど、
後に決定盤と呼ばれる様な数々の名演を繰り広げた。

また、客演でも数々の名指揮を見せている事を忘れてはならない。
例えばベルリン・フィル初となるベートーヴェンの交響曲全集録音である。
EMIグループは首席指揮者のカラヤンではなくクリュイタンスを起用した。

※バイロイトの成功を聞きつけた DECCA が引き抜きを画策、
 フランスEMIグループがクリュイタンスを自社に繋ぎ止めるために
 系列会社の独ELECTROLA から根回ししたとされる。

フランス音楽を得意とするベルギー人が、
ドイツ人のオーケストラでドイツ人作曲家の代表作を指揮する…。
そんなシチュエーションでもクリュイタンスは流石だった。
意外な程の迫力感に溢れながらも、流麗で押し付けがましいところが無い。
技術と感情とのバランスが完璧に整ったベートーヴェンを作り上げたのである。

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Carl Adolph Schuricht(1880-1967)

【主な活動レーベル】
La Voix De Son Maître(VSM)
Concert Hall

【経歴について】
ポーランド北部の街、グダニスク(ドイツ語ではダンツィヒ)の生まれ。
6歳から隣国ドイツのギムナジウムに入学すると、以降はドイツを本拠とした。

音楽人生の転機となったのは1912年から1944年まで続いた、
ドイツ中央西部のヘッセン州ヴィースバーデン市の音楽監督への就任である。
ここでシューリヒトはヴィースバーデン市立管弦楽団を手兵とし、
ドイツ好みの古典派やロマン派に留まらず、現代音楽も好んでプログラムに取り入れた。
これには1906年のマーラー「交響曲第6番」の初演を目にした事が大きかった様である。

1913年に指揮したマーラーの交響曲第8番「千人の交響曲」は、
ドイツのみならず欧州中にシューリヒトの名前を轟かせる。
翌年にはロンドンやミラノに招聘されるなど、順風満帆のキャリアが始まる筈であった。

…しかし、ミラノ・スカラ座出演の直後にサラエボ事件、そして第一次世界大戦が勃発。
彼の名が再び音楽史に戻ってくるまで、実に7年の歳月を必要とした。
1921年、自身が発起人となったグスタフ・マーラー音楽祭を開催、
5月にはベルリン・フィルへの客演と立て続けに敬愛するマーラー作品を演奏。
結果、1920年代には「マーラーと云えばシューリヒト」という揺るがぬ評価を
国内外から受けていたシューリヒトだった…が、またしても彼を苦難が襲う。

1932年にナチスが第一党となると、ユダヤ系だったマーラーの曲が禁止された。
国内の活動を続けながら、それでも国外では変わらずマーラーを演奏し続けていたが、
第二次大戦が激化する1944年には遂にゲシュタポに追われスイスの地に亡命する事となる。

2度目の終戦がようやく訪れると、その後はウィーン・フィルとの関係を深める。
ナチス側を疑われた指揮者や楽団員が次々と退団していく中、立て直しに尽力。
アメリカを始めとした世界ツアーにも首席指揮者として同行し、成功を収めた。
1965年8月、齢85歳にして生涯最後となる指揮となったのも、
ウィーン・フィルとのザルツブルク音楽祭での演奏だった。

【演奏スタイル】
誤解を恐れず言えば、独特のテンポ感を持つ御仁である。
颯爽と吹き抜けるつむじ風の様なスタイルで、
大型の推進装置をまとったロケットの如く、速足で駆け抜ける。
そこにブレない『魂』を感じてしまうので、聴いている方も曲に入り込んでしまう。

「疾走するサウンド」「疾走するオーケストラ」の枕詞を聞いて、
スイス・ロマンド管弦楽団を連想される方も
DECCA愛好者を中心に少なからず居るだろう。
実はスイスへの亡命中、シューリヒトはアンセルメの誘いを受けて、
60回以上に渡り客演指揮者として同楽団に携わっているのだ。
あの類稀なるスピード感の背景には、シューリヒトの影響もある事が想像に難くない。

ただし「テンポ感が早い=情感や芸術性が薄い」という事では決してない。
シューリヒトの後半生の評価を絶対的にしたのは、
1956年1月、76歳の時にウィーン・フィルを振ったモーツァルトである。

前年、戦火の影響から消沈していた名門ウィーン・フィルを
シューリヒトが一喝し奮起させたとの逸話も手伝い、
(本拠地だったウィーン国立歌劇場は空襲で焼け落ちたままだった)
偉大なる作曲家の生誕200周年を祝うに相応しい、
あまりに美しいモーツァルトは観衆から大絶賛を受けたのである。

また、よくある誤解で「遅咲きの指揮者」と評される事が多い。
しかし、経歴を見ていただければ判るが2度の戦争が影響して、
オーディオ文化と上手く関われなかった、と捉えるのが正しいだろう。

VSM でのウィーン・フィルとの共演は名盤を幾つも残したが、
商業主義的なEMIグループとは上手く折り合いが付かず馘首されてしまう。
移籍先の Concert Hall では一流のオケとの共演が難しく、
パリ音楽院管弦楽団以外とは秀演を上手く残せなかった。

しかし、ドイツの片田舎のヴィースバーデン市を音楽の都に変え、
ベルリン・フィルを含めたドイツ各地のオーケストラを率い、
スイス・ロマンド管弦楽団にアンセルメと共に携わったのは、
決して老人になってからの経歴ではない。
彼の『魂』が老齢になろうとも色褪せなかっただけの話なのである。

晩年の指揮を見た評論家、ロジェ・ヴァンサンの言葉を最後に紹介したい。

「この舞台を弱々しく歩く老音楽家が、いざオーケストラの前に立った時、
 老人の影はかき消えて、その若々しさと信念とで全てを変えてしまったのだ。」

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Gennady Nikolayevich Rozhdestvensky(1931-2018)

【主な活動レーベル】
MELODIYA

【経歴について】
旧ソビエト連邦、モスクワ生まれ。
父親は指揮者でモスクワ音楽院で教授も務めたニコライ・アノーソフ。
そして母親はボリショイ歌劇場所属のソプラノ歌手、
ナターリャ・ロジェストヴェンスカヤという、音楽家の血筋に産まれた人物。

ちなみに「ロジェストヴェンスキー」は芸名で、
本名はゲンナジー・ニコラエヴィチ・アノーソフ。
高名過ぎる父の苗字が自身の活動に影響を与えるのを懸念して、
母方の苗字を男性系にして芸名にしたとのこと。

※スラブ系の命名法は、名前→父親の名前の変化形→苗字という並びに、
 それぞれに男性形、女性形の変化が加わるのが基本。
 
 父親の名前も同じセルゲイだったセルゲイ・プロコフィエフを例にとると、
 セルゲイ(名前の男性形)・セルゲエヴィチ(セルゲイの息子)・プロコフィエフ(苗字の男性形)
 もしプロコフィエフが女性だったら以下の通りだと思われる。
 セルゲエワ(名前の女性形)・セルゲエワ(セルゲイの娘)・プロコフィエワ(苗字の女性形)

モスクワ音楽院で父アノーソフに指揮法を、レフ・オボーリンにピアノを師事し、
18歳で母の職場でもあった首都モスクワのボリショイ歌劇場にて、
プロコフィエフのバレエ「シンデレラ」を振って指揮者デビュー。
その後、20歳の時に指揮したチャイコフスキー「くるみ割り人形」の公演で名声を勝ち取る。
二年後に死を迎える晩年のプロコフィエフは、
ロジェストヴェンスキーを「天才を超えた天才」と評した。

その後はボリショイ歌劇場を主戦場としながら、
モスクワ放送o.など国家を代表するオケの指揮者としてキャリアを形成。
70年代に王立ストックホルムpo.の音楽監督に就任して以降は西側にも活動の幅を広げ、
BBC交響楽団、ウィーン・フィルと世界的なオケの首席指揮者まで務めあげた。

この縦横無尽の活躍に当時のソ連政府は亡命を恐れ、
遂にはソヴィエト文科省フィルというオーケストラを新設するまでに至った。
このロジェストヴェンスキーの個人オケとすら言える
文科省フィルを手兵に従えた事実は殊のほか大きく、
ショスタコーヴィチ、グラズノフ、ブルックナーなどの交響曲全集、
妻のポストニコワをソリストに招聘したプロコフィエフのピアノ協奏曲全集など、
ソヴィエト連邦という国が消滅するまでの10年間、オーディオ史に多大なる成果を残した。

また、共産圏の生まれながら順応性も高く、
ベルリン・フィル、コンセルトヘボウ、ロンドン・シンフォニー、
クリーブランド管弦楽団、イスラエル・フィルなど数多くの客演をこなし
名実ともに20世紀の「東側」を代表する指揮者へと大成していくのである。

ロシアのクラシック史を振り返った時、
チャイコフスキー、ラフマニノフ、プロコフィエフなど作曲家が全盛だった19世紀を経て、
オイストラフ、リヒテル、ホロヴィッツ、ロストロポーヴィチ等、
実演家の才能が一挙に開花する20世紀が訪れる流れがある。
この実演家の時代を牽引した指揮者こそ、ロジェストヴェンスキーだった。

【演奏スタイル】
父アノーソフと二代に渡り、ソ連MELODIYAレーベルを牽引した最重要人物の一人。

日本では「爆炎系」の指揮者として紹介される事が多いが、
そもそも旧ソ連の古い指揮法では爆炎系を至上としていた節が有るので、
ロジェストヴェンスキー本人の嗜好だったとするのには違和感が有る。

世間の風聞に寄らず彼の経歴を見てみると、
ロシアン・バレエ本家のボリショイ歌劇場でデビューし、
後年にはウィーン・フィルの首席指揮者まで務めた。
「情緒的」あるいは「標題的」な楽曲は、むしろ得手だったと考える方が自然だろう。
晩年のインタビューによると本人はイギリス作品を特に愛していたそうである。

冷戦が続いていた時代、本来の音ではない粗悪な日本ライセンス盤を聞いて、
MELODIYAレーベルと、その代表格だったロジェストヴェンスキーの評価が
誤った方向に向かってしまったきらいが本邦には有る。
近年になりロシア盤を聴いた結果、MELODIYAレーベルの再評価と共に
ロジェストヴェンスキーを誤解をしていた事に気付く人も少なくない。

国家を代表する指揮者として残した数多くの録音を聴くと、
若年期の爆炎時代、地位を得て充実した音を鳴らしていた時代、
そして、よりコマーシャルな西側風なサウンドへ変化していく流れが見える。

特に、自由に振れるソヴィエト文科省フィルの設立は1981年のこと。
アナログからデジタルへと録音史が変遷していく過渡期でもある。
そして、デジタル録音という未来の新技術を担当させられるのは
国家を代表する指揮者ロジェストヴェンスキー、という流れは当然だった。

しかし、これは音質の向上とイコールとは安易に言えないのだ。
ステレオ然り、デジタル然り、手放しには賞賛しかねる新技術での録音は、
ロジェストヴェンスキーに限らずレコード史には多い。

或る意味でデジタルの実験台だったロジェストヴェンスキーに対し、
例えばロシアの超凄腕ピアニストであるカミショフは
国家的、政治的には重要な人物ではなかった様で1986年に於いてもアナログ録音だった。
だが、音質的な面で言えば逆にこれが功を奏して、
前人未到の域に有る彼のピアニズムを生々しく記録出来たともいえる。
ここにもまた、ロジェストヴェンスキーの評価が左右される「裏側」がある。

交響曲全集など作品のライブラリ化を達成した功績は非常に大きい。
(たとえ国策だったとしても、である)
ただ、それだけでロジェストヴェンスキーの評価をしてしまわず
小品や室内楽、バレエなど、敢えて少し横道に逸れてみることで、
日本の定評とは違う本来の彼の魅力に出会う事が出来る筈である。

個人の人間性で伝え聞くのは、特に晩年はリハーサルが大嫌いだったという逸話。
通しリハーサルにしか来ず、お決まりの言葉は「break」だったそう。
要は「コーヒー・ブレイク」、あるいは英国なら「ティー・ブレイク」である。
「休憩」という言葉以外は殆ど話さなかったというのだ。

しかし同時に語られるのは、そのバトン・テクニックの巧みさである。
指揮棒で意図を伝えられてしまうなら、長いリハも、そして言葉すらも不要だった。
あるいは馴染みのオケならば、指揮棒すら不要だったという。
そんな、ある意味では奇矯に見える立ち振る舞いの伝説が現代にも伝わっている。


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Igor Borisovich Markevich(1912-1983)

【主な活動レーベル】
米DECCA
His Master`s Voice(HMV)
仏Columbia
PHILIPS
Deutsche Grammophon(DGG)

※経歴が多岐に渡るため時系列順

【経歴について】
現ウクライナ、キエフ(キーウ)生まれ。
ピアニストであるボリス・マルケヴィッチと画家の娘ゾイア・ポキトノヴァを父母に持つ。
また曾祖父のアンドレイは帝政ロシア時代の国務長官であり、
ミルシテイン兄弟と共にロシア音楽協会とサンクトペテルブルク音楽院を創設、
ロシアの音楽文化、音楽教育を牽引した人物だった。

2歳の時にパリ、3歳の時にスイスと、
第一次大戦の戦火から逃れる様に移住すると、父の元でピアノ教育を受ける。
若かりしクララ・ハスキルのコンサートに母に連れていかれたりもした様である。

そのスイスで、同地出身の巨匠アルフレッド・コルトーとの出会いを果たしたのが第一の転機。
コルトーは自身が創立したエコール・ノルマルにマルケヴィチを自費で招聘し、
ナディア・ブーランジェを通し最高峰の音楽教育を施した。

このブーランジェは「第二の母」とも言うべき存在だったらしく、
彼女の音楽技法を全て伝え「厳格さ、徹底こそが音楽の熱情を人々に伝える手段」という
ブーランジェ女史一流の音楽観を叩き込まれる事となる。

そして1928年マルケヴィチ16歳の年に、次の運命的な出会いが彼を待ち受ける。
バレエ・リュスの主宰、セルゲイ・ディアギレフとの邂逅である。
新しい演目を書ける作曲家を探していたディアギレフはマルケヴィチの才能に惚れ込み、
オーケストレーション分野での教育を受けさせ、幾つかの曲を彼に書かせた。

作曲方面でのマルケヴィチの活躍についての詳細は割愛するが、
マルセル・メイエルが初演を務めた「ピアノと小オーケストラのためのパルティータ」と、
バルトークから「現代音楽で最も印象的な個性」と評されたバレエ音楽「イカロスの飛翔」。
この二作への評価から想像するにブーランジェ譲りの才能を発揮していた様である。

指揮の方では、ピエール・モントゥーを師と仰いだ。
ペトルーシュカ、牧神の午後への前奏曲、春の祭典など、
バレエ・リュスの音楽を支えた指揮者だったモントゥーは
若手指揮者の育成に力を入れる為に私塾としてエコール・モントゥーを開いた。
バレエ・リュスと親交の深かったマルケヴィチも薫陶を受け、
モントゥーが次席の指揮者を務めていたコンセルトヘボウ管弦楽団で
20歳にして指揮者デビューを果たす事となる。

その後、第二次大戦の直前にイタリアの皇族、
しかもローマ教皇の血を引くドンナ・トパジア・カエターニと結婚をすると、
戦中はイタリアのパルチザン、反ファシズムの過激派として活動を行った。
一説に拠れば、活動への傾倒は周囲が驚くほどであり、
1978年に起きたアルド・モーロ元イタリア首相の誘拐殺人にも、
マルケヴィチが組していたのではないかと囁かれているほど。

第二次大戦の末期に大病を患った後は指揮者に専念。
戦後ほどなくして世界的規模での指揮活動を始めた。
首席指揮者としてはフランスのラムルー管、
モナコのモンテカルロ・フィルの歴史に名を刻むが、
他を凌駕したのが、その録音遍歴である。

世界を股にかけ、数多の名オーケストラを率いて
名盤の数々を作り上げた手腕は類を見ない偉大な功績といえるだろう。

また、録音活動と並行して教育活動にも熱心だったようで、
ザルツブルクのモーツァルテウム音大での教え子には、
レコード期の古典復興に大いに貢献した
ジャン=フランソワ・パイヤール、ヘルベルト・ブロムシュテットがいる。

激動の生涯を送ったマルケヴィチは最後もまた唐突で、
1983年にフランス南部、地中海を臨むアンティーヴの地で
心臓発作により急死を遂げた。
奇しくも、最後のコンサートは生まれ故郷のキエフ公演だったという。

余談となるが、先述した妻ドンナとの間に生まれた息子オレグは
イタリア皇族の血を残すためオレグ・カエターニの名を用い、
70年代から現代に至るまで指揮者として活動を続けている。
そしてオレグの恩師もまた、父と同じナディア・ブーランジェだった。


【演奏スタイル】
他に類を見ない録音実績を持つ、まさに「万能型」の指揮者である。
そもそも振るったオケ自体が東西を問わない途轍もない量で、
首席だったラムルー管を筆頭に、ロンドン交響楽団、ゲヴァントハウス管弦楽団、
ベルリン・フィル、モスクワ・フィル、ソビエト国立管弦楽団、
そしてEMIの録音専門オケであるフィルハーモニアにも当然の様に携わった。

現代にも残る、舞台裏の職人への最大の賛辞として
『ファースト・コール』という言葉がある。
音楽を含めた芸術イベントの「演出家」や「舞台監督」の様な裏方を選ぶ際、
関係者一同から「成功請負人」と認められ、
スケジュールの争奪戦になる人物への最高の賞賛に使われる言葉である。

レコード制作の流れで言えば、
商品企画として曲目やソリストをレーベルが選定した後、
座組みが自社で殆ど完結している録音技師のチームとは別に
オーケストラと指揮者の選定が起きる事は想像しやすいだろう。

言わずもがな、マルケヴィチの異能とは正しく此処に有ると思われる。
彼こそがLP期における『ファースト・コール』の指揮者だった事は疑い様がないのだ。

とある指揮者は手兵を用いて自己のサウンドを最大限に追及した。
とある楽団は自己のアイデンティティを頑なに守り、指揮者の人選にすら口を出した。
マルケヴィチには、殆どそういった拘りが見られない。
空恐ろしい程に、曲目も、オケも、挙げ句にはレーベルも飛び越えて、
前人未到といえる数の録音を繰り広げてしまったのだ。

先天的な東側の出自と後天的に培われた西側的な感性を用い、
ほとんど如何なる楽曲を振っても名盤クラスの録音を残した。
交響曲、協奏曲から宗教曲、バレエにオペラ、
果ては自身が編曲した「音楽の捧げ物」B.1079など、
縦横無尽という言葉がこれほど似合う指揮者もいないだろう。
これだけの万能性は、もはや「異才」と呼ぶほかに無い。

そして、そんな万能な人物だからこそ面白いのが、
もしや不得手が有ったのでは?という可能性である。
オケで言えばウィーンフィル、作曲家で言えばシューベルト。
他のオケや作曲家に比べて圧倒的に少ない録音を見るに、
相性がよほど悪かったのかも知れないのだ。

万能型の音楽家の常として「節操が無い」と誤解されがちだが、
小手先で「こなす」様な人物像とは全く無縁である。
時に思索的に、時に熱情的に、高い音楽性を保ち続けた。

「厳格さ、徹底こそが音楽の熱情を人々に伝える手段」という、
第二の母の教えたまいし信念が、いつもマルケヴィチを支えていたのだ。


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Otto Nossan Klemperer(1885-1973)

【主な活動レーベル】
VOX
英Columbia

【経歴について】
現ポーランドのヴロツワフ生まれ。(当時の呼称はドイツ帝国ブレスラウ)
ボヘミア王国プラハのユダヤ人ゲットー出身である父ネイサンと、
ハンブルク生まれのスペイン系ユダヤ人である母アイダ、そして姉と妹という5人家族だった。
フランクフルト芸大からベルリン芸大へと進む学生時代を送り、
ベルリンの地でハンス・プフィッツナーから指揮と作曲を師事した。

転機が訪れたのは20歳の時。
マーラーの交響曲2番、通称「復活交響曲」の公演に携わったのである。
同曲ではメインのオーケストラとは別に「Fernorchester」と名付けられた、
舞台裏に隠れて遠鳴りを表現する2つ目のオーケストラを活用する。
この別動隊の指揮を振るう事となったクレンペラーは、
作曲家マーラーと知己を得、同曲のピアノ編曲版を後に披露するなど交流を深める。

1907年にはマーラーの紹介からプラハ歌劇場の合唱指揮者に就任。(後には音楽監督に昇進)
1910年にはマーラー畢生の大作、交響曲10番「千人の交響曲」の初演も手伝う事となった。

そして、20代後半以降のクレンペラーは、歌劇場を中心に凄まじい活躍を見せる。
ハンブルグ歌劇場(1910–1912)、バルメン歌劇場(1912–1913)、
師であるプフィツナーの代役として仏国ストラスブール歌劇場と
付随するストラスブール・フィルの音楽監督(1914–1917)、
再びドイツに戻ってケルン歌劇場(1917–1924)、ヴィースバーデン歌劇場(1924–1927)、
そしてベルリンのクロル歌劇場、通称「クロルオーパー」(1927-1931)と、
オペラの指揮において八面六臂の活躍を見せた。

特にクロルオーパーでの活動には並々ならぬ情熱を注いだらしく、
新時代のオペラを追求するため、現代音楽を次々と演奏した。
シェーンベルク、ヒンデミット、ストラヴィンスキー、ヤナーチェク等、
「同時代のすべての現代作曲家の作品を指揮した」と評されるほど。
舞台美術においてもバウハウスの教員を招聘したり、
果てはシュールレアリスムの大家キリコまでが参加している。

しかし、このあまりに革新的な音楽活動は聴衆の意見を二分、
最終的には「経済的な理由」として議会から1931年に歌劇場の廃止を決定された。
これはクレンペラーにとっては到底納得がいかない決定であり、訴訟まで起こしている。

そして運命が変わる1933年が訪れた。
ヒットラーの首相就任とナチス政権の発足である。
よりにもよってクロルオーパーを国会議事堂とした彼らにより、
クレンペラーは文化ボリシェビストと認定、演奏活動を禁止された。

進歩的な感性を持つユダヤ人芸術家という存在は、
ナチス政権にとって許しがたいものだったのだろう。

国民啓蒙・宣伝大臣を務めドイツ国内の劇場を統制したゲッペルスの日記には、
「夕方、タンホイザーを鑑賞。クレンペラーはこの曲を全く理解していない。
 ユダヤ人にはワーグナーが理解できないどころか、憎んでさえいるのだろう。」

『Lexikon der Juden in der Musik(音楽に携わるユダヤ人百科)』なる書籍には、
「クレンペラー:ドイツの誇る傑作を意図的に歪める事を主な生業とする指揮者」とある。

当然ながら、こんな政府下では生活すらままならないため
同年4月からはベルリンを離れチューリヒ~ウィーンと移住し、
結果、8月にはウィーン・フィルを率いザルツブルグ音楽祭に初出演する栄誉を得た。
10月になると米国ロサンゼルス・フィルが音楽監督として招聘。
少なからず迷いは有った様だが、1935年には家族と共にカリフォルニアに移住した。

しかし、この米国の地では幾多の苦難と挫折がクレンペラーを待ち受けていた。
フィラデルフィア管弦楽団、またはニューヨーク・フィルの主席指揮者を狙っていたが、
前者にはユージン・オーマンディが、後者にはジョン・バルビローリが就任。
特にニューヨーク・フィルに関しては前任のトスカニーニがクレンペラーを推挙していた為、
その衝撃は大きかった事をクレンペラー自身が手紙で書き残している。

更に不幸は重なる。1939年に「小さなオレンジ」程もある脳腫瘍が見付かり、
手術の結果、部分的な麻痺と深い躁鬱病が後遺症として残った。
療養施設を脱走して酒場に居た所を写真誌にすっぱ抜かれるなどの事件も起こし、
ロサンゼルス・フィルも解任されてしまう。
もはや米国での名声は望むことも出来ない事態となってしまった。

第二次大戦が終結すると、クレンペラーは欧州に活躍の場を移す。
過去にマーラーが監督をしていたハンガリー国立歌劇場の音楽監督に就きつつ、
ベルリン放送交響楽団、デンマーク王立管弦楽団、モントリオール交響楽団、
ケルン放送交響楽団、コンセルトヘボウ管弦楽団など様々な客演を行った。

が、ここでもまた体制との軋轢がクレンペラーを襲う。
1950年初頭、米国では「赤狩り」「マッカーシズム」の風が吹き荒れ、
左派的な人物だったクレンペラーもその標的となった。
ソ連の衛星国家だったハンガリー国立歌劇場での活動歴も悪く働き、
既に米国籍だったクレンペラーは1952年にパスポートを剥奪されてしまうのだ。

仕方なくモントリオール交響楽団などでの活動をメインにしていたが、
1954年に欧州の地に戻ることを決意し、ドイツ市民権を回復した。
ただし、亡命に近かった米国への移住と違い、欧州への帰還には勝算が有った。
ロンドンへの客演の際、EMIの名プロデューサーであるウォルター・レッグが
クレンペラーの演奏に惚れこみ契約を熱望したのである。

レッグの私兵であるフィルハーモニア管弦楽団を任せていたカラヤンが、
フルトヴェングラーの逝去を契機としてDGGレーベル傘下のベルリン・フィルに移籍。
更には1956年には次代のスター候補だったグイード・カンテッリが事故により急逝してしまう。

結果、名実ともにフィルハーモニア管弦楽団の長となったクレンペラーは
1959年には終身首席指揮者に就任する。
なんと1963年に創設者レッグがEMIから脱退、翌年にはパトロンも辞めてしまうが、
この緊急事態にも楽団員と団結し、ニュー・フィルハーモニア管弦楽団を創設した。

60代後半という老齢になってからの出会いだったが、
フィルハーモニア管弦楽団がその晩年を充実させた事は間違いない。
毀誉褒貶にまみれ、根無し草の様な音楽人生を送り続けたクレンペラーに
他の巨匠と同様の世界的名声を与えてくれたのが、このオーケストラだったのだ。

その後は1970年にイスラエル放送局交響楽団をエルサレムで指揮し、イスラエルの市民権を獲得、
1971年に体調不良を理由に全ての指揮から引退した。
そして1973年スイスはチューリッヒの地で、88年に渡る波瀾の人生に幕を閉じた。


【演奏スタイル】
雄大で荘厳なスケールで楽曲を描く「巨匠」の名に相応しい指揮者である。

格調高いサウンドを持ち、演奏者各々に唄わせるというより
トータルで楽曲の世界を壮麗な建造物のように構築していく印象で、
個性を越えた大きな意志の力を感じさせてくれる。
重いテンポで濃厚な色彩感を描き出すのを得手とするため、
大規模作品を振らせれば、まさに極上。クレンペラーの独壇場である。

…というのが一般的な評価で、それも確かに間違いではない。
が、それだけの指揮者と思うと見落としをしかねない。
オーディオ・ファンが名高きSAX番号に魅せられるのは理解できるが、
レッグとの出会い以降だけでは、音楽家クレンペラーを語る事は出来ないのだ。

例えば名演とされるステレオ期の「田園」こそクレンペラーと思っている方は多いが、
若かりし1950年代頃の録音を聴くと端正だが情感に富んだスタイルで、
重厚な曲を振ってもどこか華やいだ印象を感じさせる。
VOX時代~初期の英COLUMBIAにはクレンペラーの残したモノラル録音が相当あり、
どの作品も今聴いても素晴らしく、レッグが惚れこんだ理由が分かるだろう。

経歴を見てわかる通り、本来は前衛的な音楽を愛する人物だった。
しかし、ドイツとアメリカで受けたある種の迫害がクレンペラーを変えた。
聴衆と評論家連中からは現代音楽への理解が得られず、
「ドイツ作品を熟達に振るうドイツ人マイスター」としての立場を求められたのだ。

海外ではクレンペラーが年齢を経るにつれテンポを落としていった事実と、
初期の録音においては他の指揮者よりテンポが早かった可能性が示唆されている。
また、それは楽曲の構造への理解が変遷したのではなく、
理解はそのままにテンポを落としていったのが最もユニークな点だと語られる。

日本では奇矯な振る舞いを矢鱈と取り沙汰してしまうフシがあるが、
初期におけるドイツ的でありながら清冽で颯爽としたサウンドも、
後期におけるデモーニッシュで、劇的な演出がなされたサウンドも、
好き嫌いを云々する以前に、一つの個性として認めざるをえない。

特にベートーヴェンの交響曲に関しては、
ここまで雄大なスケールで録音した指揮者は当時いなかった。
あのDECCAの中にさえ、この時代に一人で全集を作り、
トップセールスを成し遂げた指揮者はいなかったのだ。

コロンビア社の大黒柱であり、社を支えた重要な指揮者であった。
世界中の人に愛聴される、繰り返し聴いても新鮮さの落ちない歴史的傑作を
クレンペラーが作り上げた事実だけは間違いない。

彼の残した5番「運命」は金の円盤に収められ、
ボイジャー探索機という揺りかごに乗り、
太陽系を離れ今日も宇宙を旅している。


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Károly Ferenc Fricsay(1914-1963)

【主な活動レーベル】
Deutsche Grammophon(DGG)

【経歴について】
ハンガリーの首都ブダペスト生まれ。
軍楽隊のバンドマスターだった父アラヨス・リハルト(リカルト?)は、
各地を回りクラシック音楽の普及に努めた、ハンガリーを代表する指揮者だった。

そんな父から幼少期より音楽教育を受けたフリッチャイは、
自分と同じ名を持つリスト・フェレンツ音楽大学(リスト音楽院)に6歳にして入学。
ハンガリーを代表する音楽家であるバルトーク、コダーイ、ドホナーニの薫陶を受けた。
ここで数々の楽器と作曲、指揮法を学んだ後、1933年に同音楽院を卒業すると、
ハンガリー南部の街セゲドの軍楽隊の副指揮者として活動を始める。

その後のキャリアは順調だった様で、1935年にはセゲド交響楽団の指揮者に就任。
1936年からはセゲドの国立歌劇場や野外劇場でも指揮を執った。
更には軍内においても1943年には陸軍の最高指揮者の栄誉を受けた。

状況が変わったのは1944年のこと。
1930年代後半からナチス・ドイツの影響下にあったハンガリーにおいて、
ナチスの傀儡政権である国民統一政府が樹立。

そして母方がユダヤ系だったというフリッチャイは、
過去にユダヤ系音楽家を優遇して軍法会議にかけられた過去があった。
ゲシュタポに狙われているという友人からの警告を受け、
セゲドの地から逃亡し、ブダペストに妻子ともども潜伏する事となった。
ただ、早くも翌1945年にはハンガリー全土からドイツ軍が掃討され、
ハンガリーはペレストロイカに至るまでソ連の影響下に入る。

この1945年からフリッチャイは首都ブダペストにある
ハンガリー国立歌劇場の首席指揮者に就任。
ここでアメリカから主戦場を欧州に移していたクレンペラーと邂逅した。
この出会いから1946年のオーストリア・ザルツブルク音楽祭において
体調に問題を抱えていたクレンペラーのアシスタントを務めた後、
翌1947年には完全に降板してしまったクレンペラーに代わってウィーン・フィルを指揮した。

このザルツブルク音楽祭での評判は非常に良かった様で、
「初演の翌日から彼は世界中で話題になりました。オファーが殺到したのです。」
そんな風に当時の音楽監督が語っている。

世界的な名声を得たフリッチャイは1948年からベルリン放送交響楽団(RIAS)と、
ベルリン国立歌劇場の首席指揮者に就任。
録音においても独DGGレーベルと契約を果たした。
1950年には英国およびアルゼンチン、1951年にはイタリア、オランダ、
1953年に至ってはパリ、スイス、アメリカと次々にデビューを果たし、
まさに世界を股にかける指揮者として充実した日々を送った。

あまりの多忙の為かベルリン国立歌劇場の指揮者は退任したが、
1958年に今度はバイエルン国立歌劇場の音楽総監督に就任。
そして遂に、ベートーヴェンの交響曲の全集録音に取り掛かる事となる。

…が、この大仕事を成すには、残された時間は余りにも少なかった。

同年11月末に体調を崩すと胃癌との診断を受け、
2回の手術を経て翌1959年9月まで静養を余儀なくされる。
静養から明けるとベルリン放送交響楽団(RIAS)と活動を再開、
ドイツ初のラジオでのステレオ放送に貢献。

1961年はメニューインとの欧州ツアーやザルツブルク音楽祭と精力的に飛び回った。
同年はベルリンの壁が出来た年でもあり、
結果としてベルリンの西側で唯一となってしまった歌劇場、
ベルリン・ドイツ・オペラの復活コンサートでも指揮を振るう。
これは史上初となるテレビでのオペラ生放送だったそうで、
これらの功績によりドイツ功労十字勲章を受ける。

しかし、この年の冬に再び体調を崩し再手術。
12月7日のコンサートを最後に療養に入るが二度と指揮台に戻る事はなく、
1963年2月20日、スイスはバーゼルの地で胃癌(※)により天に召された。
わずか48歳、あまりにも早過ぎる死だった。

※日本では白血病を死因としている情報が殆どだが、非常に多くの疑義がある。
 フリッチャイ公式サイト、出生地のハンガリー、活動の中心だったドイツ、
 いずれの資料にも「白血病=Leukémia」という単語は見られない。
 米国の音楽評論家であるRichard Freed氏がワシントン・ポスト紙に寄稿した、
 フリッチャイの死因を白血病とした英語の記事が一件存在しているだけである。
 
 そもそも内科的治療が基本である白血病の患者だとしたら、
 最低3回は受けた記録が残る「手術」とは一体どんな手技だったのか。
 1959年に初めてヒトでの臨床実験が行われた骨髄移植に挑んだのなら、
 ドイツ国内にニュース記事がないのは余りにも不自然である。
 ハンガリーとドイツの多くの資料に見られる『Gyomorrák』あるいは『Magenkrebs』
 つまり「胃癌」が死因だったのが客観的な真実だろう。
 あるいは、合併症である「胆嚢への穿孔」というのが直接の死因の可能性も高い。

 他方、同郷の師であるバルトークが白血病だった事は間違いが無く、
 Googleでは『Leukémia Bartók』で50万件以上の検索結果が得られる。
 上記した評論家のRichard Freed氏が師弟を取り違えて記事を書き、
 アメリカの一部と日本に誤った伝聞が広まった疑いが強い。
 

【演奏スタイル】
独DGGレーベルと首都ベルリンの音楽を支えた、
大陸的で大らかなサウンドを持つ指揮者である。

ベルリン・フィルには無い甘美さを持つベルリン放送交響楽団を率い、
実に繊細で、荒っぽさが微塵もない、一つの完成された美意識を作り上げた。
もちろん、この美意識はウィーン・フィルとの共演でも存分に発揮され、
ザルツブルク音楽祭での圧倒的な評判から追加コンサートを開催する必要まで起きたほど。

また、若年からの師であるバルトークの影響からか近代的な感覚にも優れ、
ハイドンの交響曲から当時の新作だった現代音楽までレパートリーとしていた。
作曲家としてのお気に入りはバルトークとモーツァルトだったと伝わるが、
活躍を見るとロッシーニからワーグナーまでオペラにも精通しており、
また出身地である東欧の作曲家であるドヴォルザークやリストも得手とした。
特に、ヨハンナ・マルツィをソリストに向かえたドヴォルザークのヴァイオリン協奏曲Op.53は
今なお音楽史に燦然と輝く不朽の名盤として名高い。

そして資料を紐解くと分かるのが、
共演者たちがフリッチャイの「感性」に驚き、心酔していく姿である。

ソプラノ歌手のマリア・シュターダー曰く、
「私が最も驚いたのは、彼の歌に対する直観的な感性でした。
 歌手としての訓練を受けたことも、歌うことへの生理学的プロセスを研究したことも無いのに、
 人間の声に対する彼の共感は完璧で、幾つもの大事なアドバイスをくれたのです。
 それらは私がキャリアを進んでいく上で、本当に大きな助けになりました。」

バリトン歌手のフィッシャー・ディースカウ曰く、
「私がドン・カルロでオペラ・デビューを飾ろうという時、
 観客に強い印象を与えるのに十分ではないことにリハーサルで彼は気付きました。
 そして、この英雄がどのように立ち、駿馬の様に跳躍し、
 いかに静かに剣を取るのか教えてくれたのです。
 彼の繊細な指導が無かったら私のキャリアは今とは違うものになっていたでしょう。
 彼に出会い、その短い人生の旅路の幾ばくかの時を共に歩んだことは、
 感謝しつくせないほどの贈り物なのです。」

ピアニストのゲザ・アンダ曰く、
「最初、聴衆には『理解できないノイズ』として現れた、バルトークのピアノ協奏曲2番。
 しかし、この曲が実際には非常にロマンチックな音楽であると私達は確信しました。
 私はシューマンの作品を弾くときの様にピアノを弾き、
 彼は『伴奏』という概念を超えてブラームスの交響曲の様に指揮しました。
 このベルリン放送o.との録音でディスク大賞を受賞した直後に、
 今度はウィーン・フィルとも演奏する事になったのです。
 これは私の最も大切で美しい思い出の1つとして、いまも忘れ得ぬ素晴らしい体験でした。」

ヴァイオリニストのユーディ・メニューイン曰く、
「彼が楽譜を紐解いたとき、その音楽作品は情熱に満ちた小説へと変わりました。
 危機と慈愛、喜びと苦痛が、連続した物語の中で繋ぎ合わされていくのです。
 音楽においてドラマチックな小説を作り上げたので、
 彼の人生において他の文学は必要なかったでしょう。
 例えば、ドヴォルザークの「新世界」を彼が解説してくれたことがあります。
 約束の地であるニューヨークの霧から立ち上がる尖塔、
 移民たちの故郷への思い、そして苦難の旅路。
 こういった心情を音楽で描くことが如何に重要であるのかを私は教わったのです。
 彼が卓越したオペラ指揮者だったのも全く不思議ではありません。
 フリッチャイの心が描く絵画の鮮やかさ、色彩と、奏でる音楽が一致したとき、
 それは聴衆の心に直接突き刺さるのですから。
 これらの思い出は、私の音楽人生で最も楽しかった瞬間の一つです。」

とあるジャズ・ミュージシャンを共演者が賞賛した言葉に、
「彼は素晴らしい音楽家であるだけじゃなく、音楽を『旅』に出来る人なのよ。」
といったものがある。

フリッチャイもまた、最高の音楽家の中でも一握りの人間だけが持つ
情景、心象風景を音楽で描き出すという特異な才能を、
その短い人生において眩いほどに輝かせた指揮者だった。


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Eduard van Beinum(1900-1959)

【主な活動レーベル】
英DECCA
蘭PHILIPS

【経歴について】
オランダ東部の街アーネムにて生を受ける。
祖父は指揮者、父はコントラバシスト、兄はヴァイオリニストという音楽一家で育ち、
幼少期からヴァイオリンとピアノのレッスンを受ける。

兄のピアノ伴奏をし兄弟デュオでの活動もしていたが、
1918年にヴァイオリニストとして地元のアーネム管弦楽団に参加。
アムステルダム音楽院に進学すると指揮も並行して学び始め、
ヴァイオリン、ピアノ、指揮と三足の草鞋を履いて研鑽を高めた。

25歳には指揮者への道を歩むことを決意。
当初は矢張り地元のアーネム管弦楽団で活動していたが、
27歳の時にオランダ北部の「花の街」、ハールレムの交響楽団に音楽監督として招聘される。

ベルリオーズ、ドビュッシー、ラヴェルなどフランス作品を主軸に演奏し名声を高めると、
29歳にして遂にオランダ最高のオーケストラであるコンセルトヘボウ管弦楽団に客演。
首席指揮者メンゲルベルクと客演指揮者ピエール・モントゥーの推薦もあり、
2年後には空席だった第二指揮者に任命されて同楽団に籍を移す。
そして、このコンセルトヘボウとの出会いこそベイヌムにとって運命の転機だったと言える。

支配的かつ抑圧的で、濃厚な味付けをほどこす前時代的な指揮者であるメンゲルベルクに対し、
楽団員と良く会話し、客観的視点で素材をそのまま活かすベイヌムとは目指す方向が真逆だった。

ただし、これは当時の指揮者としてはベイヌムの方が異端で、
楽団員からの熱い信頼に比べ、聴衆からは「冷淡」な音だと捉えられてしまった。
情熱が全面に出たメンゲルベルクの分かりやすさを当時の聴衆は大いに支持しており、
また、これこそオランダが誇るコンセルトヘボウの音であると理解していたのだ。

この環境の中、ベイヌム自身にどういった葛藤が有ったのか今や知る由もないが、
1937年にオランダで2番目の実力を持つレジデンティ管弦楽団が首席指揮者のオファーを出した際、
少なくともベイヌム自身は移籍に乗り気だったという。

そこに待ったをかけたのが、日頃から深い交流を持っていた楽団員たち。
最愛の指揮者ベイヌムを繋ぎ止めるために運営に働きかけ、
なんと翌1938年からは首席指揮者を二人置くという世にも珍しいスタイルを確立してしまった。

首席に就任した後は並行して欧州各地で客演指揮者としての活動を続けるベイヌムだったが、
当然のことながら地元への貢献も忘れてはいなかった。
オランダの地にブルックナーの交響曲を紹介したのはベイヌムだと言われているのだ。
メンゲルベルクによって確立されたマーラーと、
ベイヌムが伝えたブルックナーとは、
コンセルトヘボウの恒久的なレパートリーとして後世に残る事となる。

事態が動くのは第二次大戦が終わった1945年。
ナチスから招聘されベルリン・フィルを客演した事などが問題視され、
メンゲルベルクがオランダ音楽界から追放されてしまうのである。
結果として本来的な意味での首席指揮者の座にベイヌムは昇格した。
そこには既にメンゲルベルクの影は無く、
大手を振るって、気の知れたオランダ最高の楽団を指揮する舞台だけが残っていたのだ。

1945年から46年にかけては100回を超えるコンサートを行い、
マーラー、ドビュッシー、チャイコフスキー、メンデルスゾーンなど、
戦中に禁止された「退廃芸術」の作品を5年ぶりに聴衆に披露した。

そしてオランダ以外の欧州の音楽界もベイヌムを待ち望んでいた。
1947年のこと、およそ7年も空白だったロンドン・フィルの首席指揮者にベイヌムを招聘したのだ。

しかし、順風満帆に見えるベイヌムの身体に病魔が忍び寄ってきたのも時を同じくしての事である。
ベイヌムは、この頃から晩年まで心臓系の疾患に悩まされていたと言われている。
1949年までの2年をロンドン・フィルと過ごした後、体調不良を理由に離籍。
オランダ国内に専念した1950年のシーズンも満足な活動は出来なかった。

復調の兆しが見えだしたのは1954年を過ぎてのこと。
フィラデルフィア管弦楽団で米国デビューを果たすと、
同年の冬からはコンセルトヘボウ初の米国ツアーも行い新世界側での名声も獲得。
1956年にはロサンゼルス・フィルの音楽監督にも招聘、
アムステルダム大学から名誉博士号を授与、オランダ芸術評議会に選出など
オランダを代表する人物としての揺るがない地位を確立した。

だが、指揮者として頂点を極めつつあったベイヌムの最後は突然だった。
1959年4月13日、彼の心臓は突如として鼓動を止めたのだ。
四半世紀以上の歳月を共に過ごしたコンセルトヘボウ管弦楽団と、
ブラームスの交響曲第1番をリハーサルをしていた最中のことであった。

生前のベイヌムには一つの夢が有った。
それは世界中のミュージシャンが勉強会を通じて交流する国際的な出会いの場、
言うなれば「未来の音楽センター」を設立することである。
コンセルトヘボウ首席ハープ奏者のベルグハウトと共に50年代初頭から計画を推進していたのだ。

残念ながら生前に夢を叶える事、そして行く末を見守る事は叶わなかったが、
急逝の翌年、1960年11月16日に努力は実を結んだ。
現在に至るまでオランダおよび欧州音楽界への貢献を続ける、
エドゥアルト・ファン・ベイヌム財団が発足したのである。

死してなお、ベイヌムの温かい眼差しはオランダと欧州の音楽界を見守り続けている。

【演奏スタイル】
日本では前任のメンゲルベルク、後任のハイティンクの知名度の陰に隠れているが、
ベイヌムこそコンセルトヘボウの中興の祖であり、
またコンセルトヘボウの黄金期を作り、『らしさ』を引き出した最後の指揮者である。

メンゲルベルクの古典的、ロマン主義的な味付けに掌握されていたコンセルトヘボウは、
ベイヌムの手腕によって風味を残しつつも近代に通用するサウンドへと進化を遂げた。
しかし、彼が急逝し後任のハイティンクが就任すると現代趣味が先行する様になり、
或る意味で味付けの無い万能型にコンセルトヘボウは変遷していく。

ベルリン・フィルやウィーン・フィルの様な楽団固有の味わいを残しつつ、
古臭くない近代的な感覚も取り入れたのがベイヌムのサウンドだった。
耳をすませば、コンセルトヘボウの渋い音色から生み出される
暗調で厳しさの漂う張り詰めた空気感を根底に感じることだろう。

感情に任せた表現を避けて、正攻法で真面目に取り組んだ録音が多く、
あまり大袈裟なところは無いが、勿論ただ大人しいだけではない。
長期に渡り親しまれる本物=スタンダードを示していたのだ。

くすんだ空が広がる欧州の冬を描いた様な、日本の侘び寂びに通じる様な、
中庸の美というものを知っている人だった。

更にレーベルとしては英DECCAと蘭PHILIPSという、
二つの高音質レーベルで録音を残している。
虚心坦懐に聴けば、驚く様な名演を再発見できるのではと思う。

また、音楽性と人間性は切り分けて考えるべきだが、
コンセルトヘボウの楽団員の直訴により
二人の首席指揮者が生まれた話に代表される様に、
同時代のアクが強い音楽家に比せば、まるで聖人君子の様な人物だった。

2004年にベイヌムの伝記を出版したトリュス・デ・ルールはこう語っている。

「この伝記を書くにあたり、編集サイドは『聖人伝』の様にしては駄目だと私に警告しました。
 ですから、私は本当に丹念に彼の足跡を追ったのです。
 しかし、何も見付けることが出来ませんでした。
 我々がファン・ベイヌムを知ろうとして見付けられるのは、肯定的な逸話だけなのです。」


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【 2023/1/14 更新 】














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